Erika Nieva da Cunha, 2017, Suisse
16mm, couleur, sans dialogues, 4'
Quelque chose qui revient, des éléments qui se remontent, d'un autre temps, où on parlait une autre musique, d'autres sons. Un essai sur le potentiel d'inflammation des images par les vagues.
⏺ As-tu quelques mots pour décrire la relation que tu entretiens avec ce film en particulier?
J’ai beaucoup aimé faire ce film fabriqué lors d’un atelier animé par Marie Losier à la HEAD. C’était ma première fois en pellicule et j’ai été bouleversée par cette machine, qui agit vraiment sur le corps comme un prolongement mécanique de la main et de l’œil. Les vibrations du moteur transforme le geste du filmer.euse en un événement particulier, unique. Bref j’ai kiffé tourner en bolex et je pense que ça m’a permis d’essayer quelque chose de différent de ce que je fais, particulièrement au niveau du traitement de la bande sonore.
⏺ Pourrais-tu parler de la manière dont tu as choisi de filmer cette femme, et donc plus généralement de la façon dont tu cherche à créer des moments entre toi, la caméra et les personnes qui font partie de tes films?
Pour ce film, j’avais envie d’être dans quelque chose de très spontané, où l’écriture interviendrait seulement au moment du tournage et pas en amont. J’ai fait ça pour pouvoir être totalement et physiquement avec la caméra, pour tester son pouvoir et ressentir jusqu’où je pourrais aller dans ce dispositif. Par rapport à Dominique, c’est simple, c’est une femme que j’ai toujours désiré filmer, sa manière d’être et son visage m’inspirent beaucoup. Du coup, pour ce film, si je me souviens bien, je lui avais demandé le soir d’avant ou le matin même si elle avait envie de faire un tour au marché avec moi et la bolex et elle a accepté. J’essaie toujours de travailler de manière très complice et horizontale avec les acteurs (pro ou non pro) que je choisis, c’est-à-dire qu’il doit y avoir une discussion et des propositions, des envies communes de créer une histoire. Et de la place pour les bouleversements, les accidents. J’aime écrire ou réécrire avec les personnes qui vont jouer dans mes films, même si c’est pas toujours simple. Mais je pense que c’est très important d’être dans une grande complicité et que le temps de la prise soit un moment collectif particulier, magique où les frontières sont dissoutes et où tout est possible.
⏺ Pour ce film tu as utilisé des techniques de son asynchrone – enregistré dans un autre temps que l’image – que la caméra 16mm Bolex demande si l’on veut éviter d’entendre le bruit qu’elle fait. Comment est-ce que tu penses que cette manière de travailler a pu influencer ta manière de filmer?
J’avais envie de ne pas avoir de contrainte de prise de son sur le tournage car j’étais toute seule donc c’était rapidement clair que j’allais faire la bande son dans un deuxième temps. Je dirais que ce film m’a permis de me rendre compte de toutes les possibilités de narration sonore possibles au cinéma et que ça a ouvert quelque chose en moi, au niveau de ma liberté d’écriture.
⏺ Aujourd’hui, filmer en pellicule est devenu un véritable «luxe », difficilement accessible, en particulier dans une économie de production suisse qui offre peu de moyens financier aux auteur.e.s émergent.e.s. À partir de ce constat-là, que penses-tu de la période – économique et technologique – que nous traversons en tant que jeunes cinéastes?
Sacrée question. Je pense qu’on est dans une époque où faire un film qui défonce au téléphone portable et sans un sou est possible. Et que du coup on peut se libérer plus facilement des contraintes de prod qu’à l’époque de la pelloche. On doit sans cesse se remettre en question et défendre nos espaces de liberté et de création, je pense que ça permet de faire des films en lutte, ou sur la lutte beaucoup plus facilement, et tant mieux. En fait on a une autonomie de fou tant au niveau de la production que de la diffusion. À nous de tout brûler et d’y aller à fond.
Curation et Interview – Delphine Mouly